筆記

film of the sea/ takashi ishida, pic originaly from his website


前陣子北美館有個新的video展名字很害羞
叫做"激情心靈"
是展出台灣日本新生代的video artists的作品
其中包括酸強力推薦的澤拓
但是雖然覺得澤拓的作品很美
但太過抽象 我難以理解
離開的時候 心裡最喜歡的是石田尚志的海之牆

隔了一個禮拜
石田尚志在北美館有個講座
看到他從1995的[繪卷]到1999的[部屋/型態]不斷嘗試"living painting"
在2001動畫電影[複格的技法]以視覺解析巴哈音樂裡的"複格"
這當中十多年的嘗試與累積
才有在這個展覽裡看到的挑戰動態繪圖 形式變換 空間互動 螢幕內與外對話...
這麼棒的新作

另外 他以日本兩個主要推廣錄像藝術的機構為主
介紹日本新生代的video artists
很多新名字 也很多好作品

2009 激情心靈Mind as Passion：17位台、日新世代藝術家錄像展
Lecture Series
3/7 石田尚志 Takashi ISHIDA

I. aichi art center 愛知藝術文化中心
映像作品年表
1. 大山慶 < HAND SOAP >, 2008

2. 園子温, 1999

3. 大木裕之 <3+1>, 1997

II. 東京都寫真美術館惠比壽映像祭

1. 黑版圭太

2. 牧野貴 Takashi MAKINO (music with Jim O'Rourke)

3. 狩野志步 Shiho KANO

4. 松山由維子 Yuiko MATSUYAMA

這四位關注的幾乎都在自然型態的變化

5. 漋健太郎 Kentaro TAKI

6. 河合政之 Masayuki KAWAI

上面兩位作品多是對於資本主義或消費文明提出批判

7. 足立智美 Tomomi ADACHI <口 mouth>

他提出上面幾位的共同點
是意識"body"身體概念, 對於媒材的深入與探究
還有對於前輩作品的關注後 經過自我摸索的階段

最後他提及了幾位日本先鋒型的錄像大師

1. 松本俊夫 Toshio MATSUMOTO
1930年代出生 使用武滿徹的音樂
發現控制時間能讓影像效果不一

2. 飯村隆彥
曾和小野洋子 john cage等人合作
使用表演藝術將自我置入 探討影像本質

一次式波型計畫

白今年的展開幕了!
不知不覺之間
我的高中, 大學, 拍電影時期和研究所的好朋友們
全部集結成一個(假日鬼混)集團
上禮拜當我在香港戰戰兢兢上班時
大夥兒都在為這個展覽趕工
今天去了ahhhtist's talk
真的狠感動

參加這個展覽的創作者
全都不是專職的藝術家
他們都是平日在自己的工作之外
仍然大聲哀哀叫"我要創作呀~~"的人
(或者是一邊大聲說我要創作我要創作
卻老是被現實耽誤著哀哀叫的人兒們 哈)
所以稱他們為"ahhhtist"
今天大家在聊自己的作品/槍手在幫忙聊他人的作品時
每一個人自己工作的狀態 背景 擅長的媒材
都影響著他們呈現出來的作品
呼應著白做這個策展實驗想捕捉的
每個作品不只是單一結果
觀賞者和他碰撞到產生出能量
那個能量白想把它視覺化比喻成波
而不同的波型重疊在一起
激盪出的是一個集體力量
這是小白的一次式波型計畫

身邊這些親近的朋友
一邊在現實環境裡呼吸著稀薄的氧氣
一邊還迎著光朝山坡上頭用力奔跑著
我為他們的努力開心

go to >> 一次式波型計畫
去年的一連串不連續事件

a true artist?

me in serendipity, nyc

這個週末還沒有結束
就覺得這兩天跟很多創作的人聊了好多
讓我一時還來不及想清楚

先是從拜五晚上那個有誠意的展覽opening
看到藝術家對自己和環境的深入思考 還有各式的呈現形式
忽然覺得 恩∼that is a true artist
儘管他年輕的要命
所以開始想釐清創作跟自己的關係
身邊總是有很多好傢伙
音樂的 圖像的 動態的… 感人的創作源源不斷
我常想
創作的人是永遠不斷的自我挖掘
發現心裡想說的話 不顧一切的表現出來
即使用的語言不盡相同
但是其實自己
從不是自己心中那樣理想的創作者
想到前陣子頗尊敬的前輩冷不防的對我說
"it is really hard for me to imagine you to become an artist"
我不懂就他所了解些許的我 為啥會讓他說出這樣的話
我也還記得自己合乎禮節卻其實不負責任的回答
“I’m not sure if I am sometimes. But I had fun making it anyway”
但我不得不承認當時在心中閃過的心虛
那個fun的部份
是在創作的當下？是來自觀眾的參與？還是因此被觀看成一位創作者的樣貌？
一個理想的生活形態 卻是從事非自然的行為仍可稱作理想嗎？

“是家人的感覺
小小的 但很溫馨
自己一個人時把一切都寄託在那種感覺上面..
外在的愛戀都很直接
會讓人都忘了心裡那種很家人式的愛..
是的 完全的自己
沒有別的人..

人是需要創作的
在創造的過程中最能感受到自己..
像撫摸愛人般的碰觸自己...“

好多年前tonpa的這些話撫慰了在williamsburg被thesis折磨著的我
今天我不得不坦承
即使做了再多支的promo或projects
我從來沒有達到那樣的心境

也許可以重新試著 像香菇鼓勵我的
先說出自己的故事 再談訂出其他的目標
但是 我不知道…
“what are you working on besides your job?”
我想 今天的我沒有答案




拜五
Mutation突變 郭奕臣個展opening reception @新苑藝廊
拜六
Veraqueen & 甜梅號 @地下社會

科技與藝術之外

Tap, Type, Write/John Maeda, 1998

我一直以為很單純
身為一個New Media Art觀眾
我總是從「科技」與「藝術」兩層面來判斷喜不喜歡一個作品
當中還包括了讓觀眾涉入的「互動」方式

對我來說科技呈現的巧妙
像是抽象畫的筆觸實驗或對透視的反叛
即使有時不幸概念主題薄弱
仍然稱得上是有趣的作品
就像現在回頭看看MoMA裡
John Maeda 1998年的Tap, Type, Write系列作品
打在iMac鍵盤上我還是對於螢幕上的互動興味盎然
因為我看到的是他發明了一種全新的語言

當然有時候 在科技之外
作品所談論的概念主題又聰明睿智光芒萬丈
我會覺得我真是好狗運整個賺到
這樣的作品在我心裡停留得更深刻
尤其如果他的互動方式更加優雅
而不是像小叮噹遊樂園區一個動作一個結果一樣單調時
這個世界就太美好了

在參加了當代的「V2_特區」動態媒體國際論壇壇之後
在許多藝術家 藝評人與觀眾討論之下
尤其是主持人Anne Nigten開朗直接的深度引導
我才發現許多新的觀看角度
像是藝術家在作品裡如何定位自我
他是對於現實critiquing的outsider
或是將自己engaging於社會之中的insider
藝術家透過作品企圖將自我界線border推到哪一個程度？
當討論interaction的時候
對象不只是觀眾
也許是社會 也許是視覺visual communication
也許是全新的互動經驗new generation interaction
也有像是藝術家Kristina Anderson所鼓勵我們的
人人都是maker無論high tech, low tech
女子戴著一條用冰塊做成的項鍊
隻身坐在bar裡漸漸融化滲透在T-shirt上
也可以是件充滿詩意的作品

另外 也可以關注他對材料的掌握程度
ownership of your material & creation control
或者對於現實的評判
例如提到中國政府對香港censorship(香港藝術家鮑藹倫)或是網路上的新經濟形態

論壇最後一位首次參與藝術活動的伯伯
很有勇氣的舉手提出了對於台灣藝術的關懷
他質疑藝術為什麼總是與一般民眾疏離
他請教現場的藝術工作者
如何可以將藝術推廣至每個角落
我想這是對於這個論壇最有意義也最令人感嘆的結尾
任何一個稍微願意花時間了解台灣藝術的局外人
都可以看到這問題
但是在場的藝術工作者都知道
這個問題牽涉的太大
台灣藝術從教育、政策、市場操作到美學涵養都需要改進
當我們在這邊花兩個整天談論這麼多形而上的問題
但是到底這些火花可以影響多少一般民眾對於藝術的關注？
如果把這些提問看成是起點
也許是個讓自己不至於太悶的出口


最感動的作品是The (Online) Economy of Desire/ Alessandro Ludovico
我一直把新媒體藝術定位在互動裝置physical computing而已
竟然從沒注意其實網路科技已經不知不覺在你我身邊構成了全新的網路經濟
這位穿著Spam Shirt來自義大利的古錐宅男
每天研究四百多封垃圾郵件做出了深度的研究
他認為這類似70年代的Direct Marketing
垃圾郵件永遠文不對題的標題
除了可以逃避防止垃圾郵件軟體之外
同時也創造出了全新的文體對應

另外他們針對Google網站創作了”Google Will Eat Itself” Project
他們寫了一個”Google Will Eat Itself” 網頁旁邊刊登Google廣告
當有參與者從他們網站連到Google廣告時
Google會付錢給他們的網站
這個錢會存進瑞士銀行每到一定金額就會購買Google股票
概念是最終藝術家會利用Google的廣告刊登金額所賺的錢最後買下整家Google公司

在另個作品Amazon Noir裡
藝術家還駭客入侵了Amazon.com的線上試閱功能
原本Amazon只讓使用者在書本內容之中以關鍵字搜尋
搜尋後會出現含關鍵字的段落
藝術家們卻很帶種的入侵了書本全文
將它們公開給一般大眾
很多人討論的重點都放在藝術家的舉動觸犯道德或法律的問題
但在策展人鄭慧華的提問之下
我才發現這個作品最有意思的
是讓我們突破了Amazon所制定的遊戲規則
我們甩開了Amazon的強制性消費
我們原先以為被給予了大量的自由（試閱）
但其實顯出了我們被網路新經濟所制約的不自由
和iTune所呈現的新音樂經濟矛盾是一樣的
這樣直接的對於科技所造成的新社會現況反應
鄭所說的「文化行動主義」
的確是很少在台灣的年輕創作者作品裡看到
我其實不強求所有作品都要文以載道
但是年輕作品若與台灣現況越來越遙遠
這當中缺少了好多互動成長的機會

很用心的一個講座很充實的週末
展覽在這裡

P.S.Alessandro Ludovico同時也是neural雜誌的編輯

P.S.這麼多年以後 我剛剛才知道
原來john maeda是日裔美國人
人家明明maeda就是日本姓(中文叫前田約翰)
我我我我一直以為他是個長著大鬍子胖胖的洋學究
照片也太清瘦了吧

conceptual/documental?!

pic/ 張才 新光歌仔戲團後台 台北
i'm always a big fan of comceptual art
在用力解讀藝術家的概念後
總會有一種帶著成就感的對於美的感動
我想這裡面應該有點自視知識分子的機歪吧
直到最近兩次恰巧看到台中台灣美術館及北美館的典藏攝影展以及陳進百歲紀念展
看到從未了解過的屬於台灣的淳樸影像
紀實攝影以及人物花草繪畫的力量
張才,鄧南光,李鳴鵰等人黑白鏡頭裡的舊年代
質樸動人 所有的細節都讓我忍不住一再凝視
只屬於四五零年代的美麗台灣
陳進 合奏1934
還有陳進
我一進到會場就被阿罵圓呼呼的一頭銀髮吸引
她的笑容單純直接
就像她只因喜歡繪畫 就這麼畫到九十幾歲
從日本時代一鳴驚人的仕女畫開始
細致優雅 充滿了單純的熱情
我最喜歡她在東京所留下的沙龍照系列
看的出她質樸性格還有當時的青春無慮

出走

標題的這兩個字有點俗氣
但反正其他字眼也難以取代

很快的拿到我人生中第二張名片
紙摸起來很厚 上面的logo很多
一進去也像是轉學到了夜間部（兩家公司就在隔壁）
只不過是從早上九點就開始上課
同學每一位都比我還拼還有才華
張天兵皮（肉也是啦）一直都繃的很緊
但這兩個週末 硬是耍狠離開台北走走
發現真是身心舒暢沒話說

【台中藝術二日遊】

-->>快感 奧地利電子藝術節25年大展

電子藝術重要機構Ars Electronica作品來亞洲的第一站
是在台中的台灣美術館
展出二十五年的經典作品
互動裝置外還有電腦動畫跟許多表演藝術的錄影記錄
一口氣看了很多互動裝置真是爽快
畢竟台灣還不是這麼多的藝術家在做
最喜歡的是Osman Khan的"we interrupt your regularly scheduled program"
名字又臭又長 作品卻不囉唆
一台背對你幾乎貼著牆的液晶銀幕
在牆上流洩出一段又一段美麗的幾何圖像
拿著遙控轉到隨意一個正在播放的節目
台灣綜藝的高聲叫喊與罐頭笑聲卻又製造出完全不同的影像組合
其他還有很夢幻的日本作品“夢影蝶Moony“
技術是林馬克thesis可以輕易幹掉的Sur la Table
禪味詩意的"an interactive poetic garden" by david small & tony white
(是我第二喜歡的作品 但我更欣賞他倆間單易懂的名字與很適合他們的鳥合照 哈)...
讓我重新又有機會思考互動性在作品呈現所佔的位置
對於類似tool's life 這類“一個動作一個反應“的作品越來越難以喜愛
尤其當我在看著記錄區的影片時
有一個小朋友跑到電視前面以為也是互動裝置般的
揮了下手 發現沒有反應就無趣的走掉
我除了笑歪之外 也更深深覺得互動作品不該只像是小叮噹科學遊樂園的解說性裝置一樣
是一個動作立即可以得到反應得到一個訊息外 什麼也沒留下
最喜歡的互動是 remain in light
拿著捕蟲網在美術館裡走來走去捕捉音波的經驗真是相當趣味
回到作品等待自己抓回來的音波所產生的電子螢火蟲飛出來
用手一揮 所有的蟲就會躲你而各自散去
另外 最讓我眼睛一亮的不是互動裝置
而是25年精選影片區中 明和電機築波系列跟Golan Levin's Dialtones
前者創意跟執行都精彩的各式樂器加上藝術家本人的喜感表演
真讓人超級期待他們九月來台國際聲音藝術展的現場演出
後者是那時候學校裡做physical computing同學們心中的天才名師
我老實說是看了這個作品才真的覺得他酷到不行
之前在惠特尼雙年展的the secret lives of numbers(去年的漫遊者也有展) 完全是有看沒有懂
這個作品簡單說是個“手機鈴聲交響樂“
每個在網路上買票入場的觀眾
同時也註冊了自己手機的廠牌與鈴聲
到了表演現場 他即時運用所有的鈴聲
演奏出人意表的交響樂
當你手機響的時候 燈光也會照到你
和大螢幕上的動畫有所呼應
所以golan像是個樂團指揮
位置上的觀眾像是他的樂手
這互動間產生的能量
光是看記錄的片子就有夠震撼

離開台灣美術館之前
因為好久不見的另一名搖滾小妞的關係
狠幸運的去參觀了館內一位從俄國來的修復士的工作室
正好先前在看“冷靜與熱情之間“
對於藍色裡的這個職業無限好奇
看到她一步一步記錄修復文藝時期畫作的作品集
還有現正進行的席德進作品
真讓人非常驚嘆這職業的神聖

後來小妞又帶我們去了在二十號倉庫駐村友人的展覽
還有充滿英國腔的工作室
二十號倉庫比我98年去看樂團表演時棒了很多
藝術的優雅進駐狠自然的與隔壁的車站並存在一起
非常適合傍晚散步

【蜜月灣一日衝浪之旅】

這禮拜終於完成我回台灣一直狂吼想做的一個心願
原來坐火車去大溪這麼方便
走出車站就可以去海邊
現在衝浪在台灣似乎是年輕人的全民運動
海面上“人山人海“（這成語用的timing好怪到底是山還是海呀 哈）
讓我有點不太敢領教
但面對海感受浪的喜悅
跟在山裡snowboarding的感覺真是像
唯一不一樣的是張OL因為怕玩得太酸痛
還有前晚DJ Aki派對到太晚
完全呈現一種懶散狀態
玩兩下就上岸到處找吃的找喝的閒晃拍照
不同以往的盡責玩耍 非常之遜 :)


結論是
OL就算玩命（除了我前晚五點睡外另外一友人是四點睡最狠的是完全沒睡 我們坐七點多的車）
也要硬是離開台北走走
大自然的美感與on the road的新鮮
都會讓人活力滿滿呀∼∼


【狠無聊的 附註】
在Ars Electronica網站可以搜尋到我跟林馬克耶∼
不過是Zhang Ga的功勞啦 哈

不只是阿媽花

(2000無法無天台北雙年展 北美館大廳)
pic from here 圖片放上來才發現跟我這還真搭

-->>花樣姿態：林明弘的作品 ／林宏璋

關於林明弘
我對他的作品印象很深
但狠害羞的說直今天讀到這篇文章之前
我從沒真正理解他的創作意圖

第一次看到他的作品
是2000的台北雙年展【無法無天】
將北美館大廳漆成阿媽花的林明弘
視覺上吸引了我的目光
依稀記得手冊上提到他把私空間帶進公共空間的企圖
那時的我 總還是覺得很難被說服

然後
今年夏天去P.S.1的warm up party時
美術館咖啡廳整整的一面牆壁
就是林明弘著名的阿媽花
人在異鄉的我
直接簡單的將這個作品與"代表台灣"的文化圖騰連結在一起
但實際上連自己也沒辦法說服自己
這樣的花色 說是中國香港日本似乎也都說得通

一直到讀了今天這篇精彩的文章
作者準確地道出了林明弘的作品
若單一以特定場域的概念或者文化認同的象徵討論之不足
第一次 我終於能夠理解他的創作企圖
也或者說
我終於找到了一個精彩的閱讀他作品的方式
就在我暢快讀完（除了最後關於拉崗的精神分析部份對我過於艱澀外）
回頭想要讚賞一下作者是誰時
才發現是我的“恩師“林宏璋的文章
好啦 老實說硬叫人家是恩師當然是我一廂情願的說法
不過在大學時代
我接觸藝術史,攝影理論,媒體藝術,台灣當代藝術跟純藝術創作的思考（當然還有對非洲鼓的興趣啦）
老師佔了很重要的引領角色
我們這些外系生也常常是老師在班上唯幾可以對話的對象
他還不小心變成我們愛樂社的指導老師
回想起來真好笑
他打非洲鼓,談理論,做作品時那種專注的生命力
到現在還是鮮明深刻到讓我感到汗顏


[附 P.S.1 Contemporary Art Center]
P.S.1雖是屬於紐約當代美術館MoMA的分館
但他可是從1971年開始以提供另類空間給現代藝術作品展覽聞名
(前天看basquiat他1981年的首次聯展也是在P.S.1)
性質類似台北的華山文藝中心
從2000開始每年夏天一連兩個月的禮拜六
都會在庭園中央的都會海灘(urban beach就是硬裝海灘的意思)辦電子樂派對
從下午到晚上你可以看到downtown打扮的音樂愛好者,攜家帶眷的藝術家或是皇后區的左鄰右舍
像天天開心唱的“公帶孫,爸帶仔,尢帶某,相偕入大廳“般的大家同樂
想到第一屆時我正好來紐約玩跑去做義工
我顧的攤子對面 是一個藝術家做的戶外三溫暖裝置
整天都在臉紅心跳的面對光溜溜從裡面出來的男女
真夠害羞

[附 林宏璋在2004台北雙年展]
今年雙年展有老師的作品
我應該還來得及看到:D
http://www.taipeibiennial.org/